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Captain Fantastic

Con el amor como primer impacto y el síndrome del antisistema universal -habitualmente ligado a la vida intelectual en mitad de un remoto bosque- como eje alternativo, Matt Ross se mueve en la aventura familiar con visos pseudo-cómicos para devenir en un melodrama no exento de trampa, aunque tampoco de doblez. Captain Fantastic es un viaje más conceptual que práctico, un abrazo entre el subjetivismo new age, un catálogo de subtextos críticos y algunos de los recursos que posee el ser humano cuando debe escapar al dolor. Con un Viggo Mortensen entre dos tierras, enmarcado en el paradigma de hombre inquebrantable, el director pone énfasis en la definición moral, casi mágica, del antihéroe por antonomasia.

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Viggo Mortensen: “Captain Fantastic’ crece, y eso es algo magnífico”

Captain Fantastic, escrita y dirigida por Matt Ross, y protagonizada por Viggo Mortensen junto a los jóvenes George MacKay, Samantha Isler, Annalise Basso, Nicholas Hamilton, Shree Crooks y Charlie Shotwell, se estrena este viernes 23 de septiembre en las salas españolas. Con motivo de su visita a Madrid para promocionar la película, Cinemascomics.com tuvo la oportunidad de hablar con el director y el actor principal sobre los entresijos de ésta fábula materno-filial.

Ben, maoísta y padre de seis hijos, ha pasado 10 años viviendo en plena naturaleza, concretamente en los remotos bosques situados al noreste del Pacífico, donde ha educado a sus descendientes en la cultura profunda, en la vida a través de los libros y la adquisición de múltiples lecciones y técnicas de supervivencia para conocer el mundo, aunque no exactamente en el que habitan actualmente. Sin embargo, un día la familia debe abandonar su modo de vida y regresar a la civilización, donde tendrán que asimilar su nueva situación y adaptarse a la sociedad moderna, aunque no les va a resultar una tarea sencilla.

Captain Fantastic abraza el subjetivismo new age para llenar de subtextos un relato sobre el amor materno-filial, sobre la variabilidad de recursos que posee el ser humano cuando debe escapar al dolor. Ross pulsa las teclas correctas para que el público no sólo tenga la oportunidad de identificarse ideológicamente, sino que empatice con los personajes desde su lado más salvaje hasta el detalle más inocente. Son ellos, como le sucedió a Jonathan Dayton y Valerie Faris en Pequeña Miss Sunshine, los que mantienen viva a una película ante todo emotiva -si bien con algunas trampas previsibles, pero sin dobleces-, una fábula sobre el respeto a la cultura y a la educación en un mundo caótico, en estado crítico.

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Juego de Armas

Bajo las capas de entretenimiento pobladas de gags, planos al ritmo de una risa enloquecida y la química casi escatológica entre sus dos protagonistas -Jonah Hill y Miles Teller-, Juego de Armas encierra una sátira sobre lo absurdo y violento del tráfico de armas permitido y fomentado por los grandes países del globo. Todd Phillips adopta una historia real -la que compete a Efraim Diveroli y David Packouz- y le aplica, con ciertas limitaciones narrativas, un tono similar al que imprimió Adam McKay en The Big Short (2015). Ese humor negro que congela la carcajada en la garganta del público para que éste, minutos después, la degluta y asimile que esa película relata un verdadero drama pero sin dramatismo alguno, con un desparpajo que prefiere emerger desde las sombras, como una daga invisible.

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Elvis y Nixon

Aprovechando la curiosa historia que encierra el celebérrimo encuentro entre Richard Nixon y Elvis Presley, la directora Liza Johnson firma una película que representa la reacción que todo ser humano experimenta cuando lee o escucha que el Rey del Rock pudo haber sido un agente autónomo del FBI: estupefacción y una sonrisa sarcástica más grande que la soledad de sus dos antihéroes. Elvis y Nixon adapta con ligereza, y sin entrar apenas en terrenos políticos, la batalla dialéctico-mediática entre dos egos que, abocados al ruido y la furia que se apoderó de Norteamérica en los años 70, sólo buscaban un pedazo de tierra en el que seguir sembrando para vivir al compás del beneficio por inercia.

Michael Shannon

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Ride Along 2

Desde que la comedia infantil de Kevin Hart llegara al poco ingenioso Hollywood de las películas que, bajo el paraguas de los tiroteos, las parejas de policías notablemente bobas y las explosiones de bajo presupuesto, pretenden reinventar la comedia, no han sido pocas las versiones anteriores a Ride Along 2 que, con mayor éxito que ésta, han intentado ser algo más que un estándar industrial. Ni tiene ritmo, ni entretiene, y mucho menos es graciosa. Todo lo que rodea a la dirección de Tim Story resulta pasado de vueltas, como si el ingenio se hubiera convertido en una ínfula que adora al humor cutre.

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KIKI, el amor se hace

El cine de Paco León consigue explotar en KIKI, el amor se hace, una película bastante más imponente y educada que lo que suscita su etiqueta -comedia erótico-festiva-. La trama se acerca al análisis de las relaciones de pareja, mientras va rompiendo el tabú de las parafilias y el sexo como valor resolutivo. Técnicamente convencional, la forma de tratar el fondo -en KIKI lo hace de manera soberbia- coloca a León como uno de los directores con más y mejor personalidad del panorama audiovisual español. No para todos los públicos, pero sí para todas las mentes que, además de pasar un rato entre carcajadas y sudores -no fríos, precisamente-, pretenda reflexionar sobre la naturalidad en uno de sus mayores grados.

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Umimachi Diary

Con Umimachi Diary, Hirozaku Kore-eda persiste en la tipificación de su cine; tragicomedia que roza el melodrama sobre la familia, las costumbres y el miedo a la soledad. Tras su obra maestra –Nobody Knows, 2004- el cineasta japonés no ha sabido encontrar el alma en sus historias, siempre dedicadas en belleza y estructura, pero sin que su causa trascienda al sentimiento, a la empatía por el qué y no por el cómo. Sin embargo, lo convencional de ésta última adaptación -del cómic manga escrito por Akimi Yoshida- no le resta clima, ni tampoco intención por agradar a un público que disfrutara de la forma, pero no del fondo.

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The Brothers Grimsby

El sarcasmo de Sacha Baron Cohen sigue estando a la deriva. The Brothers Grimsby, dirigida por Louis Leterrier, es una parodia sumamente conservadora y disfuncional, una parodia que peca de mitómana en repetidas ocasiones. Acostumbrado el público a leer “…Baron Cohen…” y pensar “retrato de la sociedad norteamericana”, esta vez se lanza a la piscina británica del MI6. El problema es que la piscina, estaba vacía. Humor a trompicones, vulgar, humor del que funciona cuando la película se percata de su inmadurez, pero del que se estanca por pura compasión. Anarquía cinematográfica sin lucidez -ni parangón.

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El Pregón

El Pregón es la firma que El Terrat -y Andreu Buenafuente- han sellado en su salto a la gran pantalla. Una comedia blanca, sin ataduras ni pretensiones, con cierto ritmo y esa atmósfera a Martes y 13 que llena cada espacio sentimental. Dani de la Orden se sirve de las tablas de Berto Romero y su mentor para no resultar fatigoso, mas no puede evitar caer en la limitación de sus personajes -limitación venida de su etiqueta en la pequeña pantalla. 85′ bien distribuidos, 85′ que en ningún momento se plantean dejar de ser lo que son; una sucesión de sketches, hilvanados en torno a una historia intrascendente, con los que pasar el rato y disfrutar de unos memorables Supergalactic -esa cultura de los 90, cómo cuesta defenderla en la actualidad.

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Rock The Kasbah

Barry Levinson trata de escapar del retrato áspero sobre la decadencia de Al Pacino en The Humbling, yéndose a parar al retrato del promotor musical, al retrato de una cultura entregada a la ignorancia, a la incredulidad del espectador, quien desconoce a qué viene tanta desidia cinematográfica. Rock The Kasbah es un intento de acertar con un dardo sobre múltiples hilos para dar en el punto en común. Algo que se escapa de las manos de un Levinson que enmarca una temática seria e interesante en una comedia de las que pasan desapercibidas.

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