Trumbo

Una de las funciones más gratificantes del cine es la de trasladar al espectador a otra época, donde imperan otras costumbres y el vestuario está perfectamente alineado con la historia. En Trumbo, el público asiste al relato cronológico de la Guerra Fría entre Dalton Trumbo y EE.UU., entre el Comunismo y el Capitalismo, entre la prevención y la ignorancia. Jay Roach dirige con ritmo el guión de John McNamara. Un guión finalmente consumado, después de su alocado primer acto. Todo funciona mejor cuando la cámara se acerca, brevemente, a la intimidad del personaje encarnado por un Brian Cranston instalado en el exceso.

Capitán América: Civil War

Con Capitán América: Civil War, Marvel y Disney confirman su buena relación en los despachos, ambos conocedores del camino correcto para, mientras mantienen el carácter buenista, abrazan con retenciones a lo rematadamente oscuro de sus personajes. Lo que han ejecutado los hermanos Russo no es únicamente disfrutable como elemento visual, sino como el fruto de un ejercicio madurado en el tiempo y al que todavía le quedan, mínimo, un par de contiendas. Sin embargo, Marvel se ha convertido en el alumno aventajado que, tras aprobar todos los parciales -algunos con nota, otros rezando- se dispone a alcanzar el Cum Laude con una película homogénea pero lastrada por sus ganas de legitimar a los cómics.

Toro

El término medio es un concepto que no todos los directores son capaces de aplicar, sobre todo si se atiende al término entre tomar referencias y aplicarlas con estilo, o aplicarlas como vienen de antemano. Ese es uno de los principales problemas del guión de Rafael Cobos y Fernando Navarro: Toro, una película que le debe tanto al cine de los 70, como a Drive (Nicolas Winding Refn, 2011) y como a la novela gráfica de mediados del siglo XX. Bien construido, con los ritmo y conciencia del suspense, el thriller de Kike Maíllo funciona cuando pisa el acelerador y es ese ritmo quien lleva la batuta de este norte-americanizado retrato sobre el héroe español.

Race: El Héroe de Berlín

Ni el fastuoso Jesse Owens es capaz de escapar a las garras de Hollywood. Dirigida por Stephen Hopkins, Race se deja llevar por las convenciones de la gran industria norteamericana, y no sólo eso, sino que se presenta como un ejercicio chapado a la antigua, narrativa y visualmente. Es la biografía de una leyenda, llevada a su mínima expresión -a pesar de sus interminables 134′-, a la imagen del Owens campeón, y no al corazón de sus miedos e incertidumbres. Si bien tiene ritmo, Hopkins se encarga de eliminar el suspense relatando, taxativamente, una trama consabida.

Mon Roi

Si hay algo que caracterice al cine de Maïwenn Le Besco es su exuberante estilo. Un estilo que pretende ser realista, mas deja en evidencia su no capacidad para darse cuenta de que no es lo mismo ser realista en el set, que en el encuadre. Y ese es el leit motiv que marca Mon Roi, un drama romántico educado en el exceso, en la abundancia de elementos incoherentes, tramposos y excesivamente narcisistas. No hay contención, ni trasfondo, ni tampoco importancia en la historia. Es, simple y llanamente, el relato atemporal de un amor tan sofocante como extraño.

The Jungle Book

Esta reinterpretación de la fábula escrita por Rudyard Kipling, a cargo de Disney y de Jon Favreau, se encomienda a la técnica, sin importarle lo más mínimo el trasfondo de la historia. The Jungle Book es un elemento familiar con un coste visual asombroso, todo ello dentro de los marcos establecidos por el cine del neoyorquino; ligera y trepidante. Sin embargo, está ejecutada desde una perspectiva que prima la forma frente al fondo, que no mantiene el pulso entre la reflexión del cuento y el ritmo con el que narra la aventura. Atrapa al espectador, gracias al mestizaje fotográfico de Bill Pope, entre ficción y realidad, pero no es suficiente como para resultar un ejercicio totalmente satisfactorio.

Julieta

El cine de Almodóvar, que encontró en Todo Sobre Mi Madre (1999) y, más tarde, en Volver (2008) el punto de inflexión en su estilo formal, vuelve a ponerse en la piel del melodrama turbador, bien condensado, que va construyéndose a sí mismo con silencios e incertidumbres. Julieta es una película que vive su propia metamorfosis a lo largo de 96′, resistiéndose cuando es una crisálida, para terminar explorando el deseo de culpabilidad con primeros planos intensos y un aroma al Hitchcock de Suspicion (1941) y Spellbound (1945), aunque algo menos inteligente.

KIKI, el amor se hace

El cine de Paco León consigue explotar en KIKI, el amor se hace, una película bastante más imponente y educada que lo que suscita su etiqueta -comedia erótico-festiva-. La trama se acerca al análisis de las relaciones de pareja, mientras va rompiendo el tabú de las parafilias y el sexo como valor resolutivo. Técnicamente convencional, la forma de tratar el fondo -en KIKI lo hace de manera soberbia- coloca a León como uno de los directores con más y mejor personalidad del panorama audiovisual español. No para todos los públicos, pero sí para todas las mentes que, además de pasar un rato entre carcajadas y sudores -no fríos, precisamente-, pretenda reflexionar sobre la naturalidad en uno de sus mayores grados.

Pride and Prejudice and Zombies

A este experimento, escrito -en base a las novelas de Jane Austen y Seth Grahame-Smith- y dirigido por Burr Steers, le invade la inseguridad y el tedio. Pride and Prejudice and Zombies posee un eufemismo en su título, que funciona proféticamente; leerlo fatiga, pero si el espectador decide ver lo que hay detrás, terminará desesperado. En su premisa están las ganas por refrescar al género, sin embargo, no logra introducir, con coherencia, una matanza gore en la atmósfera de un romance moral, culto e histórico. Es esa falta de cohesión entre los dos géneros -de época y zombie- lo que hace de la función un descafeinado que pide a gritos, un azucarillo.